一、画花鸟画怎么构图？

《怎样进行花鸟画构图》 花鸟画的构图，不比山水、人物。山水有山石树木、亭台楼阁、飞瀑流泉等等，以及近、中、远景的区别，空间距离很大；人物有男女老幼和各族、各阶层的不同特点。只有花鸟画空间距离的不大，题材内容一般。因此，构图的问题显得特别重要，现阐述如下：

（一）宾主分明 宾是客体，主是主体。创作时首先考虑什么是主要？什么是次要？如果这个观念没有树立, 等于举棋不定，无法前进。那么宾主应该怎么处理呢？主体要由主要形象、主要位置、主要色彩和数量。次要的，一切都不能超越主体，这就叫宾主分明。给观众一看，谁主谁宾，非常明确。如果含糊了，立即产生两种感觉：（1）宾主不分。谁是主、谁是宾，闹不清楚。（2）喧宾夺主。把次要的东西变成主要的物象出现，那就必然混乱，无法分辨。我们认识矛盾，一定要从主要和次要两个方面着眼，作画和解决矛盾应该是一致的。所以必须分清主次，才能很好地进行创作。譬如荷花荷叶，当然花是主体，叶是客体。作为形象，叶大占面积多，花小没有分量。但墨叶从中，画上一两朵鲜红的荷花，只要色彩艳丽，就能超过数量和形象。因此，也不能单凭形象和数量来决定，还要根据彼此之间所产生的变化，和画面的效果来肯定宾主。这是同一物体所产生的不同变化（一般物体大，数量多是主体）；如果把不同的物体画在一起，会怎么样呢？例如：从菊和疏篱是两种不同的物体，画在一起应该怎样处理呢？同样，应该认清不同物体之间的谁主谁从。现在从菊是主，疏篱是宾，那么菊花的形象、位置、色彩、数量，都要从主体的要求进行创作。必须使两者之间有明显的区别，才能达到宾主分明的要求。又如：梨花小鸟，当然是小鸟是主体，梨花是客体。如果把小鸟安置在空旷处，色彩和数量之要显眼一点，就能影响主体，否则就喧宾夺主了。大幅，画材较多，构图是必须选定主要画材，重要突出，辅助画材，一切都为主要画材服务。根据宾主分明的原则，有计划地周密安排。一定要有集中、由分散、有主次、有虚实、有条理、有组织、切不可零乱纷繁，莫之所是。最后，还要根据物体的前后远近，考虑宾主问题。一般前面或近处的是主要位置，后面或远处的是次要位置。作画时，也需要照顾到空间距离的不同，以及宾主分明的不同要求。

(二)轻重虚实 指画材位置的摆布。创作时要注意画面的不平衡。上下左右，应读有所侧重。如上轻下重、上重下轻，或左重右轻、右重左轻，切不可均等。挑担式的构图，不可能成立。譬如作曲，始者低沉婉转，终必激昂慷慨，中间时高时低，时缓时急，变化多端，方能回环荡漾，激动人心。音乐如此，画岂有异。否则，何能引人人胜。构图时更须注意不平衡之平衡。譬如：上下左右，轻重失调，必须平衡一下，才能稳住。左边太重了，右边要添上画材，或者题上诗词短跋，以求平衡。右边很实，左边很空，轻重太不协调啦!哪怕用上一个押角印章，也是不可缺少的，才能平衡。上边太实，下边太空，或者下边太重，上边太轻，必须添补其他画材如蜜蜂、蜻蜒、蝴蝶、飞鸟或诗文短跋，使之平衡。但分量上要注意和原来的主要画材有区别，否则上下均等。一定要在不影响不平衡的条件下，略求平衡为原则。一幅画，大凡上重下轻者，有灵动之势，如下垂之杨柳、紫藤、凌霄等量为适用，颇得动势，有临风摇曳之感。下重上轻者，具稳重之态。如牡丹、芍药、菊花、月季等一般花卉都能适用。再补以石块，使画面产生厚重和稳定感。这种上下轻重之理，古代画家，每多重视，也是一般法式。但还不是唯一的，最重要的还是生活和意境。有时需要突破，才有新意。所以历代高手，往往在普泛中求不普泛。石涛所谓有法无法，乃为至法。也就是不普泛，应该在有法的基础上求得才对哩! 中国画一般装裱成轴，悬挂壁间，以供欣赏。构图时容易处理。原因是高宽相差一倍，有变化。现在四尺对开的正方形，就很难处理，原因是纸的四边等，缺少变化。布置画材时必须注意打破这个四边相等，否则边角运用受到影响。必须从上下左右四个边角上求得变化，构图才完美。 虚实，什么叫虚实?指画材黑白的有无。一般空处叫虚，画处叫实。或疏处叫虚，密处叫实，两者有相似处，但不能相混，和空白更需要有区别。虚实在画面上起到调节和变化的作用，它的原则："实则虚之，虚则实之。"切不可虚则虚之，那就空洞无物。八大山人寥寥几笔，决不是虚则虚之。那么实则实之，太闷塞，当亦不可。因此在构图中有两种方法最难，一是"以虚求实"，二是"以实求虚"。八大山人的疏疏落落，十分耐看，是以虚求实。有人满纸画到，一无空隙，看起来很实，但实际上令人厌腻。"触目横斜千万朵，赏心只有两三枝"，这才懂得什么是艺术。所以以实求虚，也并不容易。因此，无虚不能显实，无实不能存虚；或者疏疏密密、密密疏疏，才有强烈的节奏感，才能百看不厌。音乐没有节奏，不能动听；绘画没有节奏，怎么能耐看呢?虚和实应该怎样处理呢?有画处是实，必须实而不闷，才见空灵。空白处是虚，必须虚中有物，才不空洞。如果能够懂得以实求虚，即所谓"挤"；也懂得以虚求实，即所谓"空"，能臻于此，其道备矣。

（三)蔬密聚散 疏密指画材的排比交错。它的最高原则："疏能走马，密不通风"。何谓疏密?画材与画材间的排比，相距有远有近，交错有繁有简。有了远近繁简，即成疏密。 中国画始于一点一画，终于无穷点，无穷画。然排比交错，须有三点三画，始可成形。故三点三画，为疏密之起点，千千万万之三点三画，为疏密之终点。何谓三点三画呢？譬如：三个墨点，两点靠近，一点分开，形成远近，即有疏密。三枝树干，两枝相交，一枝独出，则成繁简。所以我们在创作时，必须遵循这个原则进行思考。什么地方要疏，什么地方要密。疏的地方，少画一点，使之疏到极点，马能穿越，即成大空。密的地方，多画一点。例如：兰叶三片成组，一撇、二交、三破，可多画几组、几十组，密到极点，风也难通，即成大实。一幅画能大空大实，节奏感必然强烈，艺术性也就随即产生。何谓聚散?指安置物体的位置。聚是集中，散是分开。一幅画，有疏有密，有集中，有分散，错综变化，自必耐人寻味。所以我们不论画什么东西，三只小鸡、三朵菊花、三根篱笆，都要两个集中，即密不通风；一个分开，便疏能走马。处处遵循这个原则，安排物体，乃至更多物体，无处不是凭着这个要求进行创作。

(四)穿插交错 指画材的繁复重叠。创作时，花、叶、枝、干怎样才能繁多而有重叠呢?必须依靠物体之间的穿插交叉。交叉有二： ①实交。两个物体，相交一点。 ②虚交。两个物体，本身没有相交，但它的引长线和相交一点，也就是不交而交。 实交很有用处。物体间没有相交，太简单。只有两线相交，甚至更多线相交，才能繁复。但虚交也很有用处，如遇实交太实，而又不得不画时，就必须用虚交代替，解决实中有虚的矛盾，虚交也就不可缺少了。所以穿插交叉在花鸟画里，非常重要，和疏密聚散有等同作用。我们创作时，可以说"疏密聚散，穿插交错"这八个字，自始至终无时无刻不在脑中回旋。写意画创作的全过程可概括为："当机立断，随机应变，将错就错，随错随改"。正因为写意花鸟，材料工具的局限，创作方法也受到影响。必须"意在笔先、胸有成竹"，也必须"落笔成形，一气呵成，而且可一不可再"，所以"疏密聚散、穿插交错"就显得特别重要了。

(五)前后层次 山水画的空间距离大，咫尺千里，有近景、中景、远景，前后层次容易解决。写意花鸟基本上都是近景，物体前后相距不远，但也讲前后层次。譬如：一幅画，前面画菊花，花后补石，石后再添细竹，一层推一层地画过去，层层相应，岂不繁复耐看了吗?这个物体的前后位置，在花鸟画里也要讲究的，否则就没有层次啦! 前后层次在处理时，一般重色重墨在前，淡色淡墨在后。烘云托月办法，在写意花鸟里，用处不多，当然也可以使用。至于大小处理，都用焦点透视，近大远小。由于花鸟画空间距离不大，所以物体的距离，不适宜远近差距太大；也不能物体大小差别太悬殊。先师潘天寿先生说："现在有的花鸟画，把远景和近景结合起来，山水与花鸟结合起来，当然都是出新，但总感到有些不太调和统一。我也想出新，尤爱山花野卉，乱草丛篁，高下欹斜，纵横离乱，天然荒率，清奇纯雅，可谓高华绝俗，用来布在近景山水中，想有异古人。把山石的笔线放粗，花卉草丛的外形改小，这样的结合，当然相对地调和一点，把距离拉近了。但咫尺千里的空间没有了!是否得当，尚待责之异日。"先生这番话说明，他对创新问题，也在不断探索。可见老一辈大师们的精神，那么值得我们学习呀!我为了表现层次，想在不影响空白的作用时，前景画花，花后补石，石后添花，花外加点，似花非花，是物非物。这样抽象处理，层次增加了，远近距离有了，彼此间的虚实关系也明显了，使花鸟画的意境，有了新的发展；同时还可以丰富色彩，反映欣欣向荣的时代精神。这样处理，也不知道有当与否?

(六)呼应气势 呼应是指物体之间的相互联系。应该怎样才好呢?有前有后应是联系，左顾右盼、上通下达也是联系，甚至画内画外，也不能没有联系。一幅画，上下、左右、前后、画内画外，彼此之间都有联系，那么它的气氛一定能团结一致，而不对立，也不分散。对立和分散，在构图上却最犯忌。一幅画，如果出现互相对立，四分五裂，怎么能让人喜爱呢? 构图时要讲"起承转合"，这和诗里的"起承转合"一样，目的是要团结一致。在承接之间，有实接虚接，以及开合要相关，反正要相依，顺逆要相应等等，都有呼应联系的作用。所以一幅画没有团结气氛是不行的。这是常理，也是画理。那么画内画外的联系，应该怎么理解呢?譬如画一株老干，孤零零地画出纸外，没有任何东西把它从画外收回，势必散在外面没有联系，此乃一病。怎么呼应呢?如果从穿插一二枝细干，不论是否同种花木，即使不是同种花木，也能起到内外联系的作用，反映纸外还有更多的花木。一方面画外的花木和画内起到联系作用；另方面画内的物体和画外的物体彼此呼应，内外一片，景外有景，无穷无尽。既扩大范围，又可使观众产生更多联想。又如：画一群飞鸟，五只画在纸内，一只后半身和半个翅膀画在纸外，这样，一看就感到飞鸟成群结队，跟踪而来的不计其数。这也是画内外相互联系的一种表现手法。气势，一般指构图时画材的处理而言。吴昌硕画牡丹、菊花、松树等花树，收头处，总要来几笔枯枝槎丫。为什么?补足气势。一幅画画完后，也常常题上直款数行。为什么?也是补充气势，造成他自己的构图形式。这些都是从构图上求气势。 八大山人有亡国之痛，所以下笔纵横驰骋，泼辣有力，充满着反抗情绪，而且非常猛烈。这是反映在笔力上求气势。 潘先生有章曰："一味霸悍"，为的也是气势。一般文人画的缺点：①造型能力较薄弱，技法不够严谨；②用笔软弱无力，没有大气磅礴的势态。潘先生力矫时弊，认为只有大刀阔斧，以霸悍之笔出之，才能跳出文人画的樊笼，才能画出有时代精神的大幅创作，歌颂我们伟大的祖国。那么，气势怎样产生呢?有先天具备的，也有后天培养的。读万卷书，行万里路，可以提高修养，开阔胸襟，培养气势。孟子说："善养我浩然之气"，即是慢慢培养气势的一种方法。我们画写意的人，特别要注意气度，没有气度，不可能画出气势磅礴的作品来。

(七) 收头铺脚 指画材的处理。什么叫头?物体的顶部称之谓头；什么叫脚?物体的根部称之谓脚。什么叫收头?物体的头部画在纸内，供观众欣赏，称之谓收头。吴昌硕以前，没有人讲过"收头收脚 "，他是从印章的布局里发现虚实美，就移植到构图中加以运用，这是构图的一个发展。潘先生也利用它，指导自己的创作。但后来发现"收头收脚"的局面不大，常常为了收脚把画面的范围缩小了，不适应长幅大幅的需要，渐渐改用铺脚。他说："脚铺在纸外，一可以扩大视野，宽广无边，画外有画，无穷无尽；二可以引入遐想，深化意境，景外有景，依稀飘渺。"又说："昌硕先生为什么要收脚，目的是以实求虚。所以有时候偶而还需要利用利用，解决实中求虚的矛盾。我为了扩大局面，改用铺脚，目的是为了画外有画，无穷无尽。如果画外无画，一看就完，不可能吸引观众，留连忘返，陶醉在作品面前，久久不忍离去。"所以先生的画，物体的头部，总是结束在纸内，根部基本上扩散在纸外，画的不多，空的很多；画内不多，画外很多。常常追求笔外之笔，墨外之墨，意外之意，境外之境，形成自己的"阔大雄伟，高大新奇"的个人风格，应该是构图的又一发展。

(八)空白处理 空白是中国画的特点之一，在构图里十分重要，相当于音乐中的间歇。"此时无声胜有声"。所以在学习时要认真研究分析，从古今名画中吸取营养，丰富自己的构思和想象。更需要深入生活，观察、体会、发现事物的变化，用"穷则变、变则通"的规律，处理自己的创作。 空白应该怎样处理?没有定规定法，但有原则要求。 ①空白的形象不可雷同，大小不可相同，数量不可等同，空白与空白之间还得协调照应。必须反复检查、认真推敲、慎重处理。 ②大空与小空之间要有区别，也要有联系，更需要相互依存。哪怕立锥之地，也有举足轻重的作用。 ③空白所安排的位置，不能对称、均衡、平行或在一直线上，而要有大有小，有疏有密，有高有低，有多有少，有远有近，错综变化为上。其实空白的最主要作用，是能给人们以空灵、深邃、旷达的感受；也能引起种种联想、窥测、回旋的余地，仿佛诗一样，非常含蓄、蕴藉、捉摸不定地、言尽意不尽地耐人寻味。所以有时空了比画了更深刻奥妙。

(九)边角运用 一张纸不论大小，都有四边四角，一般不提这些，独潘天寿先生强调四边四角。他的论点是： ①画事之布置，须注意四边，更须注意四角。山水有山水之边角，花鸟有花鸟之边角，人物有人物之边角。 ②画之四边四角和题款尤有相互之关系，不可不加细心注意。 ③画面之四边四角，使与画外之画材相关联，气势相承接，自能得气趣于画外矣。综上所言： 第一，重视边角的作用。 第二，边角对画外之画材和气势相承接都有关联，方能得意趣于画外。它和铺脚的发现，边角的运用，都有密切关系。潘天寿先生的画为什么能出奇制胜，根源就在于此。 边角应该怎样运用呢? ①四边四角是险要地方，一般都回避，不敢利用。但潘天寿先生为了出奇，特别重视边角运用。 ②把主体安置在四边四角，是出奇的方法之一。由于中间是四平八稳的地方，人人都用。只有人人都不用，唯我独用，才能与众不同。所以潘先生强调"文章要在四边四角做。" ③上下左右四个纸边的运用，一是要区别对待；画材的安置，必须有多有少；面积的占用，必须有大有小；物体的布陈，必须有虚有实；份量的安排，必须有轻有重。这样才能变化不一，产生轻重虚实。譬如：上边多了，下边要少；左边重了，右边要轻；这边空了，那边要实；四个纸边都不能等同。只有这样，四个纸边才有变化。因此我们在创作时，特别要注意纸边的利用： ①从一边画进。上下左右。任选一边把画材由外到内画进。 ②可以两边画进。上下左右，任选两边，把画材由外到内画进。 ③亦可从三边画进。任选三边，把画材由外向内画进。 ④更可从四边画进。四边都利用，把画材由外画进。从四个纸边画进，构图就繁复耐看，如果只从一边画进，比较简单，容易单调，小幅可以，一般要利用两个纸边才能繁复。特别大幅构图，一定要利用三边或四边安置画材。只有上下左右都被利用了，才能四处布满，内容丰富。相互呼应，自然耐看，引人人胜。上面讲的构图，都是由外到内的。还有一种构图，是由内到外的。把物体从纸内某一部分起笔，渐渐画到纸边，再向外伸展。可一边画出，也可两边、三边乃至四边画出纸外。但必须随时收回纸内。否则散在外面，无法团结起来，不合"起承转合"的要求。所以这种构图比较难处理。很少有人运用。至于四角处理，同样要注意"空"和"实"，切不可左右皆空或左右皆实；也不可上下皆空或上下皆实。应该左角空了，右角要实；上角空了，下角要实。而且四个角的空度，应该有大小不同的区别，才有变化。只有无前景的人物和钵古花卉的构图，四边四角均未利用。

(十)题款印章 它的作用，可补画面的不足，从内容到形式都很需要，也是中国画不可缺少的组成部分。所以一幅画画完后，必须题款盖印，这也是中国画的特点之一。我们应该继承发扬。那么怎样处理呢? ①内容 题款的范围，非常广泛。诗、词、赋、曲、画理画论，短评跋语，小品散文，有韵无韵，皆可题用。与画材有关者亦可，与画材无关而若即若离，似切非切者亦可。譬如潘天寿先生题诗： 《睡猫图》--"日当午，正深藏，黠鼠莫道猫儿太懒睡虎虎。" 《青蛙》--"江南水满田，蛙咯咯，声连天，歌颂禾黍丰收，岁岁复年年。" 作者小诗：《樱花小鸟》--"窗外声声!正阳春三月，细雨轻盈，丛丛花影纵横。" 《题杨花》--"杨柳垂条条，春来似舞腰，留春春不住，飞絮又飘飘。蒙蒙扑面，一去迢迢，随风忽上下，任尔一身遥！以上四首，既非律绝，又非古体。句无程式，字无定数，不求平仄，惟皆用韵，轻松活泼，抒情题画，聊增意趣耳! ②形式 可横题直题，亦可长题短题。穷款，只写年月、姓名、别号、地点。 一处题、两处题、三处以上题均可。惟须与构图全局协调，要求不闷塞，不影响布局为原则。题中空处、实处、画处均可。但须虚实相应，疏密相间为原则。 ③题法(款式) 可方正整齐，严阵密布；亦可婉蜒横斜，势如龙蛇。但须疏密得势，虚实调节，款即是画，画即是款，能与画材融为一体，变化万千者为上。 ④字体 籀、篆、八分、隶、章草、飞白、行书、草书八体均可。但须与画法风格取得统一为佳。尤其善书者，一笔下去，线里有线，抑扬顿挫，才能书中有画，画中有书。 ⑤印章 这是一门高深学问，有条件应该深入研究。这里谈的是构图上的需用问题。 图章有大小方圆，正长扁畸等多种形象。也有姓名、闲章、押角、起首之分。不可任意乱用。盖的位置也有一定章规。起首章盖在款的右边起首处。姓名章盖在款的左边或款的下边(直对款)。闲章盖在款的左边或其它地方，也可盖在两边的画上。押角章盖在左右两下角。大小不一、两边不能都盖。至于盖与不盖和盖少盖多，根据画面需要而定。上下款题完后，左边要盖印。有时为了气势、分量、色彩等需要，可以多盖几方。但须注意大小相应，距离要衔接，防止松挤。朱白相间，才有变化，方能增加艺术性。盖印很有讲究，要和构图密切配合。历代高手，每都重视，须向古今名人学习，研究他们怎样处理。特别昌硕先生的治印，造诣精深，有直追秦汉之誉。所以他不仅本身善于镌刻，而且盖在画上的印章，大小、位置、距离、朱白、多少等等，都仔细考虑，我们要好好借鉴。因此，题款印章，也是不可忽视的重要一环。

二、建兰花鸟画

建兰花鸟画

绘画艺术作为人类文明的重要组成部分之一，多样的绘画题材给人们带来了无限的艺术体验和欣赏乐趣。其中，花鸟画作为中国传统绘画的重要流派之一，以其独特的艺术魅力吸引了众多的艺术爱好者。而在花鸟画中，建兰花鸟画以其独特的形式和深厚的文化底蕴，成为了不可忽视的存在。

建兰花鸟画的起源和发展

建兰花鸟画起源于中国古代文人墨客的创作，具有悠久的历史和丰富的内涵。据史料记载，建兰花鸟画最早出现在宋代，当时的文人墨客们对花鸟的热爱和对画画的追求使得建兰花鸟画得以迅速发展起来。

建兰花鸟画以兰花和鸟类为主要题材，将兰花和鸟儿的形态、动态以及自然环境融为一体，形成了一种独特的艺术表现形式。建兰花鸟画注重捕捉生动的瞬间，通过细腻的笔触和丰富的色彩，展现出兰花和鸟儿的美丽和灵动。

随着时间的推移，建兰花鸟画逐渐演变为一种独具特色的绘画形式，并在后世绘画大师们的不断创作中得到了更加广泛的发展。特别是明代和清代，建兰花鸟画达到了一个新的高度，许多著名画家如李时中、郑板桥等都对建兰花鸟画作出了卓越的贡献。

建兰花鸟画的艺术特点

建兰花鸟画以其独特的艺术特点，成为了中国绘画艺术中一道亮丽的风景线。它注重细节的描绘和气韵的表现，力求在画作中传达出对自然界的敬畏和热爱。

首先，建兰花鸟画强调写实性，追求真实地再现自然界的万物。画家通过细致入微的观察，用精湛的技巧将花鸟的形态和特征描绘得栩栩如生，使观者能够感受到花鸟活动的自然和生动。

其次，建兰花鸟画注重气韵生动的表现。画家通过运用线条、色彩和构图等艺术手法，将花鸟的灵动和生命力表达得淋漓尽致。画作中的花鸟常常展现出优美的动态姿态，给人以艺术的愉悦感。

此外，建兰花鸟画还融入了文人情怀和哲学思辨。绘画作品中常常配以诗词和韵文，既表达了画家的情感与意境，又扩大了作品的内涵和艺术价值。

建兰花鸟画的欣赏价值

建兰花鸟画作为中国传统绘画的瑰宝之一，具有丰富的欣赏价值。

首先，建兰花鸟画展示了中国文化的独特之处。通过欣赏建兰花鸟画，人们可以感受到中国文人墨客们的情怀和对自然界的赞美之情。画作中充满了诗意和哲思，引人入胜，让人陶醉于其中。

其次，建兰花鸟画给人带来了美的享受和艺术的愉悦。作为一种高雅的艺术形式，建兰花鸟画通过精湛的技巧和细腻的表现，展现了花鸟的美丽和灵动，让观者感受到艺术的魅力和快乐。

最后，建兰花鸟画还具有收藏和投资的价值。由于其独特的艺术魅力和稀缺性，具有一定的升值潜力。无论是作为艺术品收藏，还是作为投资品，建兰花鸟画都是一种理想的选择。

结语

建兰花鸟画以其独特的形式和深厚的文化内涵，在中国绘画艺术中占据着重要的地位。它不仅展示了中国文化的独特之处，还给人们带来了美的享受和艺术的愉悦。欣赏建兰花鸟画，不仅可以开拓视野，感受艺术的魅力，还能够领略到中国古代文人墨客们的风采和情怀。建兰花鸟画的升值潜力也使其成为了一种理想的投资品。让我们一起走进建兰花鸟画的世界，感受其中的艺术魅力。

三、何海霞花鸟画

何海霞花鸟画的艺术之美

何海霞，中国当代著名的花鸟画家，以其独特的艺术风格和才华横溢闻名于世。他的作品以其清新的笔触、精湛的技法和独特的创作思路吸引着无数艺术爱好者的注目。何海霞花鸟画作品中融入了传统文化和现代艺术的精髓，展现了中国传统艺术的无穷魅力。

艺术创作的情感表达

何海霞的花鸟画作品充满着浓郁的传统文化气息，同时又体现出他对生活的热爱和对自然界的独特感悟。他通过画笔表达自己对大自然的热爱和敬畏之情，将花鸟的灵动与生命力展现得淋漓尽致。

在何海霞的作品中，我们可以看到他独特的观察力和对细节的精准把握。他善于捕捉花鸟的动态和姿态，以极其细腻的笔触描绘出每一片羽毛的细节、每一朵花瓣的纹理，使作品充满了生机和活力。

何海霞的花鸟画并不局限于传统的写实手法，他更注重通过艺术创作表达自己对大自然的情感和对生活的独特理解。他的作品中常常融入了诗意的元素，使观者在欣赏画作的同时也能感受到一种超越视觉的美的享受。

艺术与传统文化的结合

何海霞的花鸟画作品不仅仅是对大自然的真实再现，更是对传统文化的传承和发扬。他毕生致力于将中国传统文化与现代艺术相结合，使花鸟画这一传统艺术形式焕发出新的生命力。

在他的作品中，我们可以看到传统的意象和现代的表现手法相结合，使画面更富有层次感和艺术感染力。他善于以简洁的线条勾勒出花鸟的轮廓，并通过细腻的色彩和光影的运用烘托出画面的氛围和情感。

何海霞的作品中常常出现中国传统文化中的元素，如梅花、莲花、牡丹等，这些花卉在中国文化中有着丰富的象征意义，象征着纯洁、高贵和吉祥。他以独特的视角和创意将这些传统元素融入作品中，传递出对传统文化的敬仰和热爱。

影响与价值

何海霞花鸟画作为中国传统文化的重要组成部分，具有重要的历史和艺术价值。他以独特的艺术风格和独到的创作手法在国内外艺术界产生了广泛的影响。

何海霞的作品多次参加国内外的艺术展览，并多次获得重要奖项。他的作品被众多艺术机构和个人收藏，成为了中国现代艺术的重要代表之一。

何海霞花鸟画作品充分展现了中国传统艺术的魅力和特点，同时也具有现代艺术的创新和表达方式。他的作品以其独特的观点和艺术表现形式影响着越来越多的艺术家和观众。

何海霞花鸟画作为一种独特的艺术形式，使人们在繁忙的生活中感受到大自然的美丽和宁静，同时也唤起了人们对传统文化的关注和思考。

总结

何海霞花鸟画作为中国当代艺术的重要代表之一，以其独特的艺术风格和独到的创作手法在艺术界产生了广泛的影响。

他以精湛的技法和独特的创作思路创作了一系列富有生命力和情感表达的花鸟画作品，展现了中国传统艺术的瑰丽和无穷魅力。

何海霞花鸟画作品的艺术之美不仅仅在于其精湛的技法，更体现了他对大自然的热爱和对传统文化的传承与发扬。

通过欣赏何海霞的作品，我们可以感受到大自然的美丽和生命的力量，并思考传统文化在现代社会中的意义和价值。

四、花鸟画属性？

花鸟画，是中国画的一种，以花、鸟、虫等为描绘对象的画。在中国画中，凡以花卉、花鸟、鱼虫等为描绘对象的画，称之为花鸟画。花鸟画中的画法中有“工笔”、“写意”、“兼工带写”三种。

工笔花鸟画即用浓、淡墨勾勒对象，再深浅分层次着色；写意花鸟画即用简练概括的手法绘写对象；介于工笔和写意之间的就称为兼工带写，形态逼真。

五、大岩桐花鸟画

大岩桐花鸟画是中国传统绘画中的一种形式，以其富有表现力和独特的风格而闻名。在中国艺术史上，岩桐花鸟画被视为具有独特的审美价值和文化意义的经典作品。

大岩桐花鸟画技法的起源可以追溯到古代中国，它是中国绘画中最重要且受人喜爱的传统风格之一。这种绘画风格通过细致入微的笔触和精确的色彩运用，表现了山水花鸟的真实形态，并借此传达出画家对自然之美和内心世界的触动。

大岩桐花鸟画的特点

大岩桐花鸟画以其精湛的绘画技巧和纯熟的艺术表现力而著名。这种绘画风格通常采用独特的构图和画面布局，注重表现物体的形态、质感和光影效果。

在大岩桐花鸟画中，画家经常通过运用不同的笔触和颜色调配来强调物体的纹理和细节。他们熟练地运用水墨、颜料和纸张的特性，创造出独特的笔法和色彩效果。

大岩桐花鸟画的画面通常具有极高的细腻程度和精确度。画家通过精心的组合和平衡，使画面看起来非常和谐、自然和雅致。

大岩桐花鸟画的意义

大岩桐花鸟画作为中国绘画史上的重要流派之一，体现了中国人对自然之美的追求和对生活的热爱。它传达了与大自然相融合的心灵境界和对生命的敬畏。

该艺术形式注重和谐、平衡与内敛，力求通过观察和描绘自然界的细微变化来表达人与自然的共生关系。在大岩桐花鸟画中，画家通过细腻入微的笔触表达了对自然景物的独特感受和情感体验。

大岩桐花鸟画也是中国传统文化的重要组成部分，它代表着中国传统美学观念中精神与形式的完美结合。这种绘画风格追求的是内涵的深度和精神的内在张力，而非简单的外在形式。

大岩桐花鸟画的流派

大岩桐花鸟画作为一种独特的绘画形式，经历了长期的发展和演变。在不同的历史时期和地区，出现了许多不同风格和流派的大岩桐花鸟画。

其中，明代的大岩桐花鸟画流派以其精湛的技艺和独特的风格而备受推崇。明代画家擅长运用写实主义手法，注重描绘细节和物体的形态特征。他们通过精细的线条和深入研究真实对象的特点，创造出了具有强烈艺术感染力和生命力的作品。

清代的大岩桐花鸟画流派则更加注重传统文化和宗教信仰的表达。画家们以自然和宇宙为灵感，创作了富有哲理和神秘感的作品。他们常常运用象征主义的手法，用花鸟的形象来表达对生命和宇宙的思考。

大岩桐花鸟画的当代演变

随着时代的变迁和艺术观念的变化，大岩桐花鸟画也在不断演变和创新。当代画家从传统绘画中汲取灵感，结合个人的经验和观察，创作出了多种多样的风格和形式。

一些当代艺术家通过融合现代艺术元素和传统绘画技法，打破了传统的束缚，创造出了充满想象力和表现力的作品。他们通过大胆的构图、夸张的色彩运用和独特的笔触，赋予了大岩桐花鸟画更多的创新与活力。

同时，一些当代艺术家也致力于传承和保护传统的大岩桐花鸟画技法，注重继承传统的美学观念和绘画技巧。他们通过对传统绘画的研究和实践，创造出了具有时代特色和独特风格的作品。

结语

大岩桐花鸟画作为中国传统绘画的重要形式之一，拥有丰富的艺术内涵和独特的表现力。它以细腻的笔触、精确的色彩运用和独特的构图方式，展现了中国人对大自然的热爱和对美的追求。

在当代艺术中，大岩桐花鸟画不仅是一种绘画形式，更是一种传承和表达中国传统文化的方式。通过对大岩桐花鸟画的学习和欣赏，我们能更好地理解中国传统艺术的独特之处，欣赏其美和魅力。

六、古代白描花鸟画

古代白描花鸟画：艺术的经典之美

中国文化源远流长，绚烂多彩的传统艺术形式悠久而璀璨。其中，古代白描花鸟画作为一种独特的艺术表达方式，为后世留下了许多经典之作。白描花鸟画以其细腻、写实的特点备受赞誉，是中国绘画艺术中的重要组成部分。

古代白描花鸟画的起源

古代白描花鸟画起源于中国南朝时期，盛行于宋代，并经过明代、清代的发展逐渐成熟。白描花鸟画以其精湛的技艺和独特的表现方式逐渐形成了自己的风格和美学特点。

白描花鸟画的技法

白描花鸟画主要使用线描的手法，以墨色或铅笔勾勒轮廓，再以淡雅的色彩进行微妙的渲染，形成富有层次感和立体感的作品。这种技法要求画家对光影、透视、形态的把握精准且对细节极为注重，画家需要具备高超的绘画技巧和丰富的观察力。

传统的白描花鸟画多以自然界的花卉、鸟类为题材，充分展现了自然界的美好和生机。作品中鸟类的姿态、花卉的细节都被画家把握得恰到好处，给人以视觉上的享受和审美上的愉悦。

白描花鸟画的艺术特点

白描花鸟画博采众长，既有写实主义的细腻，又有抽象表现主义的艺术表现力。在传统的白描花鸟画中，画家注重对细节的描绘，擅长捕捉大自然中微妙的变化，通过渲染不同的光影和线条形成丰富的画面效果。

白描花鸟画艺术作品注重形态的表现，通过对鸟类和花卉的真实再现，展现了其独特的气质和韵味。在画家的笔下，一朵花儿或一只鸟，都可以充分展现出其生命力和个性特征。

白描花鸟画的艺术价值

白描花鸟画不仅在艺术形式上具有独特的魅力，更承载着丰富的文化内涵和人们对自然界的崇敬之情。这些作品在艺术史上具有重要的地位，为后世的艺术创作提供了宝贵的经验和启示。

白描花鸟画作为中国传统艺术的一朵奇葩，追求了自然的真实和美的完美展现。其细腻的笔触和精湛的技艺，使得每一幅作品都具有强烈的艺术感染力和观赏价值。

白描花鸟画的影响与传承

白描花鸟画在中国艺术史上具有深远的影响，对后世绘画艺术产生了积极的推动作用。许多古代白描花鸟画的经典之作，不仅在中国乃至世界艺术界享有盛誉，也对后世的艺术家产生了重要的影响。

白描花鸟画的传承是绘画艺术发展的重要环节之一。在现代，许多艺术家以白描花鸟画为基础，通过创新的方式进行艺术实践和创作，形成了多样化的白描花鸟画风格。

白描花鸟画的价值与收藏

由于白描花鸟画的独特魅力和艺术价值，它们成为了艺术市场中备受关注和追捧的对象。一些具有历史价值和艺术价值的白描花鸟画作品成为了收藏家们争相追逐的珍宝。

白描花鸟画的收藏不仅仅是对艺术品的欣赏与珍藏，更是对中国传统文化的传承与弘扬。通过对白描花鸟画的收藏和研究，可以更好地认识和了解中国传统绘画艺术的独特之美。

结语

古代白描花鸟画作为中国传统艺术的精髓之一，以其独特的技法和表现手法成为了后世艺术创作的重要参考和借鉴。它的艺术特点和价值不仅仅在艺术领域有所体现，更以深远的影响力传承和发扬了中国传统绘画艺术的瑰宝。

白描花鸟画正如一幅幅画卷，展现着大自然的美妙和生机，也诉说着中国古代文化的博大精深。在今天，我们应当更加注重对白描花鸟画的研究和传承，以期让这一瑰宝的价值得到更好的发掘和传播。

七、美术画色彩花鸟教学反思

美术画色彩花鸟教学反思

引言

美术是艺术的一支重要分支，而在美术创作中，色彩的运用又是至关重要的。花鸟画作为中国传统绘画的重要门类之一，对于中国画色彩的研究和教学具有重要意义。然而，在当前的花鸟画教学中，我们应该进行一次深入的反思，以推动其发展和创新。

背景

中国画色彩的表现手法独具特色，它通过运用水墨渲染，色彩叠加和重叠，以及优雅的线条勾勒，赋予作品丰富的意境和韵律感。然而，在花鸟画教学中，我们常常遇到以下种种问题：

• 教学内容过于机械，缺乏创新。
• 学生对色彩的理解和运用能力较弱。
• 教学方法的单一性，缺乏针对个体学生的差异化教学。

这些问题导致了学生的兴趣下降，对色彩运用的掌握不深入，教学效果不尽如人意。

教学反思

针对上述问题，我们需要进行一次全面的教学反思，以求得更好的教学效果和学生的创新能力培养。

多元化的教学内容

传统的花鸟画教学过于机械，往往只是教授学生一些基本的画法和色彩运用。但对于培养学生的创新能力来说，这显然是不够的。因此，在教学中我们应该引入更多元化的内容，包括艺术史的介绍、当代艺术的欣赏，以及与花鸟画相关的文学和诗词的对接，使学生能够获得更广泛的艺术认知和创作灵感。

培养学生的色彩感知能力

学生对色彩的理解和运用能力的提升是花鸟画教学的关键。在教学中，我们可以通过以下几个方面来培养学生的色彩感知能力：

1. 通过观察大师作品，学习他们对色彩的应用和表现手法。
2. 开展色彩构成的实践活动，让学生亲自动手，理解色彩的叠加和运用。
3. 组织实地考察，带领学生去大自然中观察花鸟的色彩组合和变化。

通过这些方法，学生将能够更加深入地理解和运用色彩，从而在创作中展现更多的创新和表现力。

差异化的教学方法

每个学生在艺术创作中都有自己的特点和需求，因此，教学方法的差异化十分重要。我们应该根据学生的不同特点和能力，为他们提供个性化的教学辅导。

对于色彩的教学，我们可以通过以下方式进行差异化的教学：

• 组织小组讨论，让学生相互交流和借鉴。
• 针对学生的不足之处，提供有针对性的辅导。
• 布置不同难度的任务，让学生根据自己的能力进行选择和挑战。

通过差异化的教学方法，我们能够更好地满足学生的个性需求，提高他们的学习积极性和创作能力。

结论

美术画色彩花鸟教学需要不断反思和创新，只有在不断探索中，我们才能够让花鸟画教学更富有活力和吸引力。通过多元化的教学内容，培养学生的色彩感知能力，以及差异化的教学方法，我们能够为学生提供更好的教学体验，帮助他们在花鸟画创作中找到自己的独特之处。

让我们一起为花鸟画教学的创新而努力吧！

八、花鸟画美术教学反思

近年来，花鸟画美术教学一直备受关注。作为一门传统的艺术形式，花鸟画凭借其细腻的线条和生动的色彩，向我们展现了大自然的魅力。不仅仅是审美价值，花鸟画也起到了提高学生观察力、想象力和表现力的作用。然而，在花鸟画美术教学中，我们也需要进行反思，以不断完善教学方法和提高教学质量。

1. 掌握基本技法的重要性

在花鸟画美术教学中，学生首先需要掌握一些基本的绘画技法。这包括线条的运用、构图的原则、颜色的运用等等。这些基础技法是学生进一步表现自己的基石，只有掌握了这些基本的技法，才能在实践中更好地展现自己的想法和创造力。

针对这一问题，教师应该注重培养学生的基本功。通过大量的练习，让学生熟练掌握各种线条的描绘方法，掌握不同构图的原则，以及如何运用色彩来表现花鸟的生动形态。教师还可以提供一些经典的作品和范例，让学生通过模仿和学习，逐渐掌握这些基本技法。

2. 注重观察力的培养

花鸟画的表现形式多种多样，每一种花鸟都有自己独特的特点。因此，学生在创作时需要具备良好的观察力。只有真正观察到花鸟的形态、姿势、纹理等细节，才能更好地还原它们的真实度。

在教学中，教师可以设置一些观察训练的环节。例如，组织学生到自然中观察花鸟的形态，或者使用放大镜让学生观察花鸟细节。同时，教师还可以引导学生学习如何运用不同的线条和色彩来表现花鸟的特点，促使学生逐渐提高自己的观察力。

3. 鼓励创造力发挥

花鸟画不仅仅是对花鸟的还原，更是对艺术家创造力的考验。在花鸟画美术教学中，鼓励学生发挥自己的创造力，创作出独具风格的作品是非常重要的。

教师可以引导学生思考如何运用线条的粗细、颜色的明暗、构图的对比等元素来表现自己对花鸟的理解。同时，鼓励学生充分发挥自己的想象力，将个人的情感和理念融入到作品中，使其更加富有表现力和独特性。

4. 面向学生个体差异的教学

在花鸟画美术教学中，学生的个体差异是不可忽视的。每个学生都有自己独特的兴趣、天赋和风格。因此，针对学生的个体差异进行差异化教学是非常必要的。

教师可以根据学生的兴趣和特长，为不同的学生设计个性化的教学方案。例如，鼓励对于色彩有敏锐感觉的学生运用更多的色彩表现花鸟的美；对于绘画技法较强的学生，可以引导其尝试新颖的构图方式等等。通过个体差异化教学，可以更好地发挥学生的特长和潜能。

5. 结语

花鸟画美术教学具有其独特的价值和意义，对于学生的艺术修养和发展具有重要的作用。通过掌握基本技法、培养观察力、发挥创造力和面向个体差异化教学，我们可以促进学生的艺术表现力和创作能力的提升。

作为教师，我们应该不断反思自己的教学方法和教学效果，以不断完善花鸟画美术教学，并培养更多对艺术有热情和激情的学生。希望在不久的将来，我们能够看到更多出色的花鸟画作品，感受到学生们独特的艺术魅力。

九、美术《花鸟画》教学反思

近年来，美术教育在中国受到了越来越多的关注和重视，尤其是花鸟画这一传统的艺术形式。而作为美术教育的重要组成部分，美术《花鸟画》教学也备受瞩目。然而，教学反思是不可或缺的一环，通过对教学过程和效果的反思，可以不断提高教学质量，促进学生的艺术发展。

教学目标的明确

一堂好的美术《花鸟画》教学课程，首先要明确教学目标。教师应该明确传授给学生的具体技巧和知识点，帮助他们理解花鸟画的基本构图、用色规律和绘画技法。教学目标的明确可以让学生知道他们需要学到什么，可以更好地指导他们的学习和实践。

一个常见的教学目标是培养学生对花鸟画的兴趣和欣赏能力。在教学过程中，教师可以通过介绍名家作品，讲解艺术品鉴的方法等，激发学生对花鸟画的兴趣，并提高他们的审美水平。

教学内容的设计

美术《花鸟画》教学的内容设计是决定教学效果的关键。教师应该根据学生的实际情况和水平，有针对性地选择教学内容。例如，对于初学者，可以从基本构图和线条练习入手，逐渐引导他们掌握画面的结构和比例关系；对于进阶学生，可以着重讲解不同花鸟画风格的特点和技法，让他们在实践中探索多样性。

同时，教师还可以结合实际情况，将花鸟画与其他学科进行整合，促进跨学科的学习。例如，在绘画过程中，可以引入植物学的知识，让学生了解花卉的品种和特点；在色彩运用中，可以引导学生了解色彩学的基本原理。

教学方法的选择

美术《花鸟画》教学方法的选择直接影响教学效果。教师应该根据不同的教学目标和教学内容，合理选择相应的教学方法。

一种常见的教学方法是示范教学。教师可以通过实际操作，向学生展示花鸟画的绘画过程和技巧。示范教学可以直观地呈现教学内容，帮助学生理解和模仿。

另一种教学方法是小组合作学习。学生可以在小组中相互交流和合作，分享经验和观点。这种方式可以激发学生的创造力，培养他们的合作精神和团队意识。

学习评价的科学性

学习评价是美术《花鸟画》教学中必不可少的环节。它可以帮助教师了解学生的学习状况，及时调整教学方法和策略，提供个性化的指导。

学习评价应该具备科学性和客观性。教师可以使用多种评价方式，如作品评价、表现评价、自评与互评等，综合评价学生的学习成果和表现。评价过程应该公正公平，避免主观因素对评价结果的影响。

教学反思与持续改进

美术《花鸟画》教学反思是提高教学质量的关键环节。教师应该时刻反思自己的教学方法和策略，找出不足，不断改进。

教学反思可以通过教师自己的个人反思和与同事的交流讨论来进行。教师可以思考自己在教学过程中的问题和挑战，以及如何应对和解决这些问题。与同事的交流讨论可以借鉴他人的经验和观点，拓宽自己的教学思路。

结语

美术《花鸟画》教学反思是提高教学质量的必经之路。只有不断反思和改进，教师才能更好地指导学生，让他们在花鸟画的世界中发现美和创造美。

十、怎么赏析花鸟画？

孙其峰是当代花鸟画的大师，前段时间他还度过了103岁的生日，他将传统花鸟画的精髓和西方绘画的写实风格相结合，创作出了大众喜爱的花鸟画作品，荣获了中国美术终身成就奖。

一、“孙派花鸟”风格

孙其峰先生小时候就跟随父亲和舅舅学习中国传绘画，后来他在在北平艺专学习的第三年，徐悲鸿担任了北平艺专的校长。

由于徐悲鸿的到来，实行了新的课程大纲，打破了重视临摹古画、推崇古画的思想局限，这开拓了孙其峰先生的视野，从而为传统绘画的新表现形式奠定了可能性。

孙其峰的花鸟画在继承传统花鸟画风格的同时，吸收了西方绘画的创作手法和理念。在他的作品里我们既能感受到中国的传统文化，又能发现西方绘画艺术的踪迹。

他的花鸟画恬静闲适，有充沛的精神和浓郁的人文情怀。

他对花鸟画的要求是“不求形似，又不离形似”，他还认为花鸟画创作要不断创新，不断地在实践中发展和完善。最终，他开创了具有个人风格的“孙派花鸟”。

根据之前所说的他的学习生涯，可以发现他的风格形成主要得益于两个方面：

一方面是他师从王雪涛、田世光等老一辈艺术家，主要是学习古人传统的一面；

另一方面，他师从徐悲鸿等当时的艺术新锐，学习西方注重写实的一面。

总的来说，孙其峰的花鸟画创作既离不开对传统的深刻理解，又离不开西方绘画观念的影响，他在学习两者时能够兼容并蓄，集百家所长，并不断创新，最终形成了个人面貌。

二、笔墨的运用

在我们的传统绘画中。笔墨的用法极为重要，而且书与画往往是不相分离的。

唐代张彦远就曾提出“书画同源”的观点，书法中的用笔和绘画中的用笔有异曲同工之处，不同的用笔、比如浓淡轻重缓急等，无一都在体现着画家的创作技法和思想情感，这也是我们传统绘画的特色。

孙其峰在创作过程中重视画中的笔墨，认为写意画之所以叫写意画，重点就在于那个“写”字。“写”在于它的用笔如何，用笔也是整个写意画的灵魂。

孙其峰在创作花鸟画时，认为用笔要随机应变，作画要根据实际的情况，灵活地变换用笔，综合整个画面的关系效果，要求画面灵活生动。

他用笔融会贯通，将小写意画中的点和染结合，对于笔锋的运用更是根据绘画内容灵活变通。

中国传统的小写意花鸟画和大写意花鸟画有所不同：大写意花鸟画注重神，而小写意花鸟的造型往往略微严谨，所以要想体现这种特点，用笔就要灵活多变。

除此之外，他在创作中还大胆用墨，他认为墨色的运用极为重要。墨色千变万化，要想真正掌握它，创作者需要不断实践，在写生中不断探索。

从他的作品中，我们能看到他用笔利落、干脆；画花类时用笔肯定，点叶有变化；画石头时笔锋、墨色多变；画鸟雀时用笔灵活生动。这些笔墨运用如此得当，都离不开长期实践的结果。

三、构图的技巧

国画最为讲究画面的意境和留白之美，在这期间，构图就显得极为重要了，别看画面上貌似随意自然，实则都是画家经过推敲与反复思索的结果。

实际上，在谢赫的“六法”论中就提到构图——“经营位置”。虽然写意画可以比较随意，它不同于工笔画的严谨，但看似随意的构图，则需要画家有着深厚的功底、以及丰富的专业知识，当然，更为重要的是长期创作的经验总结、以及前人的经验继承。

在学习如何构图时，孙其峰说要多观察写生，并尝试临摹大师的作品。当然，在从大自然学习新的构图方法时，要经过艺术的加工，而不是直接照搬。

这一点上在《画家之眼》这本书其实介绍的也很详细，看了真的受益匪浅。当然，加工的方法有很多种，常见的有移花接木、掐头去尾等方法。

在孙其峰的一些作品中，我们常常能看到“之”字型、全景式的构图。

实际上，这种全景式构图在我们的传统花鸟画中比较少见，这是他吸收了一些来自西方绘画的构图方法，将这些方法以创新的姿态加以完美融合，从而创造出的构图方法。

四、题材的偏好

我们不难发现，在题材方面，他比较偏好鸟雀、松鼠、鹰、鸳鸯、各类花卉等。其中尤其以鹰的不同姿态而闻名，他对鹰的神态把握得非常精准，而且在不同的场景中，每只鹰的生态和动作都大不相同，也都描绘得栩栩如生

孙其峰创作的现代写意花鸟画，他创造性地借鉴了中国传统的花鸟画和西方绘画严谨扎实的造型技法，加上结合了我们当代人的审美，这些作品无一不让人看了爱不释手，未来的传统绘画中就应该有更多的创新，为传统绘画注入新的活力，

此外，在中国花鸟画的教学方面，有不少学校以孙其峰的花鸟画作品作为学生学习的范本，让他们进行临摹和探析。

如果你也想学习花鸟画，不妨也从这里入手，等找到感觉了，再去临摹古代大师的作品。毕竟古代大师的原作或摹本，有的比较残缺、有的比较模糊不清晰，这无形中就增加了学习的障碍，可就不好了。

参考资料：

李爽.孙其峰花鸟画艺术探析【J】.美术教育研究.2021(07):38-39

吴亚妮.孙其峰花鸟画艺术研究【D】.哈尔滨师范大学.2022

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作者介绍

一枚95后的艺术爱好者

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